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Vietnam en el cine


CINE.- Vietnam

La última guerra fotogénica

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Fotograma de ‘Platoon’ (1986). Director: Oliver Stone.

LUIS MARTÍNEZ…. Actualizado: 29/04/2015 17:58 horas

El 30 de abril de 1975 cayó Saigon. Hollywood necesitó una digestión de tres años para poder mirar de frente al horror. Fue en 1978 cuando se estrenaron a la vez ‘El regreso’ y ‘El cazador’. Lo hacían un año antes de la película designada por la Historia para ser la primera y definitiva antes incluso de nacer: ‘Apocalypse now’. Los problemas de producción mantenían detenida la inagotable, inabarcable e inacabable película de Coppola. De repente, el mundo descubrió a través del cine el perfil exacto de una mentira tan evidente como extrañamente oculta.

Por aquel entonces Hollywood empezó a soñar la posibilidad de un arte comprometido con su tiempo. Los jóvenes turcos de la industria habían llegado con la intención declarada de tomar al asalto el poder. Los Oscar de ese año otorgaron a ‘El cazador’ los honores de ser designada como mejor película y mejor dirección y su competidora recibió las correspondientes menciones al guión y a las interpretaciones de Jon Voight y Jane Fonda.

Desde entonces, Vietnam se ha levantado ante el escenario perfecto de todas las heridas posibles. Desde la ambición de Coppola por atrapar el espíritu no sólo de una época sino de la propia condición del ser humano a la comedia (‘Good morning, Vietnam’) pasando por la apología belicista de la saga ‘Rambo’, todos los géneros traumáticos y postraumáticos caben en una guerra que también ha sido capaz de arrojar algunos de los documentales más hirientes de la décadas a cargo de Werner Herzog y Errol Morris.

Repasamos por orden cronológico 10 películas que hicieron de Vietnam la más fotogénica de las guerras.

1. ‘Hearts and minds’ (1974). Director: Peter Davis.

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‘Hearts and minds’ (1974). Director: Peter Davis.

Antes de que Michael Moore inventara la figura de Michael Moore, existió Peter Davis. No en balde, el primero no ha dudado nunca en citar al segundo como maestro y directo inspirador del célebre ‘Fahrenheit 9/11’. Estrenada un año antes de que acabara todo, la película coloca la frase programática del presidente Lyndon Johnson de “conquistar los corazones y las mentes” justo enfrente de la realidad. Acusada de manipuladora, resulta imposible sustraerse al poder hipnótico de unas imágenes a la vez terroríficas, desafiantes y, en su grotesca brutalidad, hasta divertidas. Por primera ves se contempló de cerca las verdaderas consecuencias del napalm.

2. ‘El regreso’ (1978). Director: Hal Ashby.

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‘El regreso’ (1978). Director: Hal Ashby

Aún, pese a esa pátina de tragedia pegajosa, resulta admirable la facilidad de Ashby para convertir lo más obvio en fiebre. Cuentan que tras el rodaje del discurso de Voight en el instituto más de uno quedó impresionado por la torpeza. Fue el director de fotografía Haskell Wexler el que reclamó paciencia l Wexler el que reclame el director de fotograf en el instituto al final de la pelpaciencia. “Hal lo arregla todo en montaje”, dijo. Y en efecto, la historia de la activista Jane Fonda colocada en la encrucijada de elegir entre su marido militar (Bruce Dern) y el parapléjico veterano de Vietnam interpretado por Jon Voight, recibe en su última escena el toque maestro que todo melodrama con aspiraciones a subversivo merece. La forma de dirigir a prudente distancia de los personajes, sin intromisiones, y la poco pudorosa aproximación a los cuerpos hacen de ‘El regreso’ una película tan emotiva como profundamente ambigua. Demasiadas veces juzgadas con un rigor improcedente, merece más de lo que habitualmente recibe.

3. ‘El cazador’ (1978). Director: Michael Cimino.

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‘El cazador’ (1978). Director: Michael Cimino.

“No sabíamos qué significaba la película para Cimino, pero para nosotros era como… bueno, como poesía”. Así recibió el productor Steven Bach la primera proyección de ‘El cazador’. La película, a su manera, era un presagio del desastre que vendría después de la mano de ‘La puerta del cielo’. Había costado 15 millones de dólares, el doble de lo programado, y su primer montaje se alargaba por encima de las tres horas. Y sin embargo, nadie pudo resistirse al brutal encanto de una película que algunos apodaron ‘Apocalypse first’ por, precisamente, adelantarse a la esperadísima cinta de Coppola. La película redefinió la forma de filmar las escenas de batalla: desde el orden heroico que demandaba la Segunda Guerra Mundial al caos descontrolado de un escenario mucho más grande que la propia vida. Películas como ‘Platoon’ o ‘Salvar al soldado Ryan’ serían incomprensibles sin el placer por la fiebre de una cinta que enseña su primera escena de combate una hora larga después de iniciada la brutal Odisea a ninguna parte. El ritmo interno de la película comparte con su tiempo la incertidumbre, la duda y la más desoladora ausencia de reglas. Probablemente una de las películas más hirientemente ambiguas y amorales que ha visto el cine.

4. ‘Apocalypse now’ (1979). Director: Francis Ford Coppola.

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‘Apocalypse now’ (1979). Director: Francis Ford Coppola.

“Estábamos en mitad de la jungla, éramos demasiados, tuvimos a nuestra disposición muchísimo dinero y demasiado equipo. Poco a poco fuimos enloqueciendo”. Con estas palabras, ya célebres, Francis Ford Coppola se presentó a la prensa del festival de Cannes de 1979 como los alcohólicos en periodo de rehabilitación. Desorientado, exhausto, quizá perdido. Ofrecía, como una víctima ante el sacrificio, la que quería ser su gran obra, la película después del éxito de los dos ‘padrinos’; una película pensada para demostrar al mundo que el nuevo cine empezaba en él. En realidad, se ofrecía él mismo, con la herida aún sangrante, como oblación. A estas alturas, costaba diferenciar donde acababa la obra y donde empezaba el artista.

Desde el primer día de rodaje el 1 de marzo a 1976 a su presentación habían pasado 238 días de rodaje efectivo en los que se filmaron 250 horas de celuloide. El presupuesto inicial de 13 millones de dólares se multiplicó por casi tres hasta los 32 definitivos. Su director había perdido casi 45 kilos, su familia estaba a un paso de abandonarle y su cuenta corriente presentaba unos números rojos de 14 millones. La fortuna del responsable del mayor éxito del cine se había evaporado en tres años de locura. Se cuenta que United Artists, que había acabado por desembolsar el grueso de la fiesta, creyó conveniente obligar a subscribir al director una seguro de vida de 15 millones. Coppola bromeaba: “Valgo más muerto que vivo”.

Desde el primer día, recuerdan todas las crónicas incluido el apabullante documental de su esposa Eleonor sobre el rodaje, el histerismo fue el estado normal de trabajo. Coppola actuaba y se manejaba como poseído. A poco de pisar Filipinas, y lejos de la mirada crítica de sus colegas de Los Ángeles, el director se convirtió en un déspota que hacía y deshacía a su antojo en un régimen demencial. Tras la negativa del ejército americano a colaborar, el director llegó a un acuerdo con el dictador Ferdinand Marcos para la utilización de unos helicópteros que un día masacraban rebeldes en el sur del país y al siguiente obedecían las órdenes de un señor barbado recién llegado de Hollywood.

Los despidos fulminantes eran parte de la más vulgar de las cotidianidades. Harvey Keitel, el capitán Willard original, era sustituido por Martin Sheen a pocos días del inicio; la contratación de Brandon como el inaccesible coronel Kurz se cerró a razón de un millón de dólares por semana de trabajo, y todo ello en un clima cerca del caos. Como recuerda Peter Biskind en ‘Moteros tranquilos, toros salvajes’, uno de los actores quiso resumirlo todo con una secuencia de la propia película: “Hay una escena en la que Martin Sheen se acerca aun tipo en las trincheras y le pregunta: ‘¿Quién está al mando?’, y el soldado le contesta: ‘¿No es usted?’. Bueno, pues eso es la esencia de Apocalypse now”.

“Toda la película”, razonaba la abnegada esposa Eleonor, “es la metáfora del mismo viaje del director. Toda aventura lleva consigo el miedo a fracasar, a la muerte, a volverte loco. Y, en verdad, tienes que fracasar un poco, volverte loco un poco, morir un poco, para alcanzar el otro lado”.

La película se estrenó el 19 de agosto de 1979. No consiguió ser la primera película sobre Vietnam. Michael Cimino se le adelantó. Sin embargo, sí alcanzó a ser la más desangrada y desaforada reflexión del cine moderno sobre su propia imposibilidad. Coppola nunca volvió a ser él mismo. Todo cambió, y aunque el fracaso de todos los sueños de su generación siempre se localice en ‘La puerta del cielo’, fue ‘Apocalypse now’ quien con más crudeza tocó la herida. Hasta el mismo corazón de las tinieblas según el dictado de Joseph Conrad. Siempre se dice que es una obra imperfecta, que se desmorona en su tercer acto. Y en verdad que no puede ser de otro modo: su imperfección se encuentra tan cerca del absoluto que subyuga por su clarividencia cruel. El sentido de todo, de toda obra de arte, es fracasar. Como el mismo ser humano. El horror.

5. ‘Platoon’ (1986). Director: Oliver Stone.

Stone inicia el viaje al fondo de sí mismo, de sí mismo como soldado, en esta pieza inmisericorde. Vendrán dos más hasta completar la trilogía de rigor, pero nada es comparable con la crueldad vívida con la que se ofrece ‘Platoon’. Desde la primera escena, la aventura equinoccial del recluta Chris Taylor (Charlie Sheen) no deja espacio para asuntos tales como la melancolía o la reflexión existencial. Todo es dolor; sufrimiento físico. No hay, como en ‘Apocalypse now’, metafísica de la creación, todo discurre en la epidermis de un cuerpo y una sociedad que sólo puede encontrar la catarsis necesaria en la contemplación directa de su propia miseria. Y así ocurre en cada picadura de mosquito, cada mordisco de hormiga o en la narración pautada de cada brutalidad, cada violación, cada masacre. Se suda en cada escena. Se sufre. La película se ofreció como una respuesta a glorificaciones del soldado heroico como ‘Boinas verdes’, de John Wayne, o, ya puestos, las secuelas con el sello ‘reagan’ de todos los ‘rambos’ posibles.

6. ‘Full metal jacket’ (1987). Director: Stanley Kubrick.

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‘Full metal jacket’ (1987). Director: Stanley Kubrick.

El año 1987 fue especialmente prolífico en lo que a Vietnam se refiere. Kubrick completaba su enésima obra maestra. Pero lo hacía a su manera. Sin que, de entrada, se notara. La primera impresión que provoca este delirio sobre, precisamente, la incomprensión es extraña. El hecho de que se rodara íntegramente en Londres no ayuda. Estructurada en dos partes, la película se antoja caótica, desmembrada, ruidosa. Sin embargo, a poco que se asienta la tormenta, todo cobra sentido. La brutalidad casi cómica del sargento interpretado por Lee Ermey (Señor, sí, señor) introduce al espectador en el escenario de un drama decididamente absurdo. Cuando la película se traslade al frente, entonces ya sí no hay más opción que el caos. Nada tiene sentido en este festín de salvajismo. Y Kubrick, como el perfecto cirujano emocional que es, acierta a enseñar en toda su crudeza el tamaño del tumor. Todo, de repente, es cáncer.

7. ‘La colina de la hamburguesa’ (1987). Director: John Irvin.

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Pocas películas tan sensorialmente abrasivas como ‘La colina de la hamburguesa’. Desde el diseño del sonido al guión esculpido con frases que entran como cuchillos en la carne fresca, todo en ella funciona como un electroshock. La historia del batallón encargado de tomar la colina 937 en mayo de 1969 quiere ser una metáfora de, otra vez, lo absurdo de todo esto. Las órdenes no se cuestionan. Nunca. Y así hasta la muerte por conquistar una posición completamente inútil. Poética, envolvente e hipnótica.

8. ‘Good morning, Vietnam’ (1987). Director: Barry Levinson.

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‘Good morning, Vietnam’ (1987). Director: Barry Levinson.

Robin Williams nunca estuvo mejor; ni más gracioso ni más conmovedor ni mejor dirigido que en esta tragicomedia a medio camino entre el Charlot y la desolación. Barry Levinson se las arregla para ofrecer dentro de una estructura si se quiere convencional no tanto una reflexión de nada como una mirada distinta. La historia del DJ encargado de entretener a las tropas que un buen día descubre el olor agrio de la realidad podría resultar perfectamente predecible. Sin embargo, tanto la interpretación grave (para nada histriónica) del protagonista como la habilidad del director para sorprender consiguen una película de una rara y conmovedora belleza. Y sin gritar.

9. ‘The fog of war’ (2003). Director: Errol Morris.

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‘The fog of war’ (2003). Director: Errol Morris.

“Aquello fue un terrible malentendido”, declara Robert S. McNamara, a la sazón secretario de Defensa durante todo lo que duró aquello. Morris se las arregla para convertir una larguísima entrevista en simple y puro cine. No se escucha ni una confesión ni un arrepentimiento. La cámara se limita a levantar acta del más terrible de los malentendidos del siglo.

10. ‘Rescate al amanecer’ (2006). Director: Werner Herzog.

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‘Rescate al amanecer’ (2006). Director: Werner Herzog.

Previamente, en 1997, el alemán Herzog firmaba un documental sobre la aventura del soldado americano de origen alemán Dieter Dengler. Básicamente se trata de la historia de un prisionero de guerra. Pero no sólo eso, obviamente es Herzog el que firma. Ante los ojos del espectador se abre un espectáculo brutal colocado exactamente en el límite de lo soportable. El director no ahorra nada ante la mirada necesariamente extasiada del patio de butacas. Pues bien, una década después se atreve con la versión de ficción. Protagonizada por Christian Bale, de nuevo, se trata de llegar al otro lado: al extremo justo de lo soportable, de lo humano. Perfecta en su dolor.

@luis_m_mundo

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